本文目录一览：
- 1、世界上最简单的花怎么画
- 2、世界上有什么画最简单,又好看
- 3、世界上最简单的妈妈怎么的简笔画怎么画
- 4、简单介绍一幅世界名画
- 5、最简单的手抄报怎么画
- 6、世界名画人物简单
世界上最简单的花怎么画
只需要画三个3，把他们上左右排列在一起形成散开状，再画一条曲线作为枝叶就可以了，这是最简单的画法
[img]世界上有什么画最简单,又好看
世上当然有最简单又好看的画啦！那就是简笔画，既简单又好看。而且又好画。但是我感觉了，你还得是画画的天才才能画出既简单又好看的话，如果说不会画画的情况下怎么简单也画不好看。
世界上最简单的妈妈怎么的简笔画怎么画
画画是种很不错的兴趣爱好。画画，主要就是提笔描绘出自己心里所想的事或物，表达自己的内心所感。画《妈妈的本领》时，我们就可以回想一下：我的妈妈有什么本领？我的妈妈最擅长什么？作为妈妈，她的本领就是关爱子女，能为之付出辛劳，那么，我们便可以联想到：我的妈妈，每天都为我洗衣做饭，还要做家务，很忙。所以，我们可以先在草稿上画出大概：妈妈系着围裙，就像千手观音似的伸出手臂，洗衣做饭照顾儿女，额头上冒出几滴汗珠，但仍然笑容满面。这样一来，既描绘出“本领”，又突出了母爱的伟大。希望对你有帮助。
简单介绍一幅世界名画
蒙娜丽莎
《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。 该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
《蒙娜丽莎》原作的尺寸：纵77cm、横53cm，该作品画在一块黑色的杨木板上。《蒙娜丽莎》画像没有眉毛和睫毛，面庞看起来十分和谐。直视蒙娜丽莎的嘴巴，会觉得她没怎么笑；然而当看着她的眼睛，感觉到她脸颊的阴影时，又会觉得她在微笑。蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。
蒙娜丽莎，坐在一把半圆形的木椅上，背后是一道栏杆，隔开了人物和背景，背景有道路、河流、桥、山峦，它们在达·芬奇“无界渐变着色法”的笔法下，和蒙娜丽莎的微笑融为一体，散发着梦幻而神秘的气息。
扩展资料：
在最新的发现中达芬奇的作品有三个不同的蒙娜丽莎，第三个“隐藏的肖像”最令人惊讶，因为这是第一版的蒙娜丽莎，时间很可能在1503年，之后的数年内，达芬奇陆续在这个基础上画了第二版的蒙娜丽莎。
蒙娜丽莎，原名丽莎·焦孔多，双子座，1479年6月15日出生在佛罗伦萨一个贵族家庭里，但是她的家族在历史的长河中慢慢没落了，到了小丽莎这代，已经没什么影响力了。
参考资料：百度百科-蒙娜丽莎
最简单的手抄报怎么画
最简单的手抄报画法如下：
1、绘制个笔记本样子的文字框，可以对其描边。
2、完成后，再绘制个文字框，在周围适当绘制些小绿叶。
3、在手抄报的右上角写上标题。
4、完成后，在其下方再绘制两个文字框，可以根据自己的喜好绘制不同的样式。
5、对手抄报进行上色，并用直尺绘制些线条。
6、这样简单的手抄报就绘制完成了。
手抄报，是指新闻事业发展过程中出现的一种以纸为载体、以手抄形式发布新闻信息的报纸，是报纸的原形，又称手抄新闻。在中国唐代就有各地驻京“邸吏”主持抄发、以地方官吏为主要对象的手抄报，史称“邸报”。现存于英国大不列颠图书馆的敦焯邸报《进奏院状》。
抄发于公元887年，是世界上现存最早的报纸。在学校，手抄报是第二课堂的一种很好的活动形式，具有相当强的可塑性和自由性。手抄报也是一种群众性的宣传工具，它就相当于缩小的黑板报。使一张手抄报在有限的空间内，既容纳一定的知识内容。
版面设计又精彩又美观是很难的。对编者来说，组稿、编辑、排版、插图、书写，这是一个全神贯注、脑手并用的创造过程，是他的文化修养、生活情趣、精神风貌和艺术修养的综合体现。这对一个学生来说，无疑是发展个性才能的广阔天地。
办手抄报，从总体上考虑，首先要确立主题思想。一期手抄报，版面很有限，要办出特色，必须在内容上突出一个主题，做到主题突出，又丰富多彩。版面编排和美化设计，也要围绕着主题，根据主题和文章内容决定形式的严肃与活泼，做到形式与内容的统一。
世界名画人物简单
世界名画人物简单
世界名画人物 简单，世界名画是每个艺术家的结晶， 作为一名美术生，我们要从心里去感受，欣赏名画对于提高我们的艺术素养，开阔视野，扩大知识领域具有重要作用。以下是关于世界名画人物 。
世界名画人物简单1
米勒原作《播种者》
米勒对大自然和农村生活有一种特殊的深厚感情，他早起晚归，上午在田间劳动，下午就在不大通光的小屋子里作画，他曾说过：“无论如何农民这个题材对于我是最合适的。”米勒在巴比松的第一幅代表作品是《播种者》，这也是米勒第一次被官方沙龙所接收的作品，1848年，法国二月革命爆发，工人农民等下层阶级的反抗起了很大的作用，在这样的时代背景下，一向保守的官方沙龙对《播种者》作者一反常态，这或许是由于米勒在这幅画中所刻画的乃是时代中真实的个体，而不是他们之前所青睐的那些神话人物。—— 劳动光荣
《拾穗者》1857年，让.弗朗索瓦.米勒
83.5x111cm，布面油画
巴黎奥赛博物馆藏
让·弗朗索瓦·米勒的《拾穗者》绘于1857年，是一幅现实主义题材的作品，画面很简单，三名农妇正弓着腰捡麦穗。从整体上来看，《拾穗者》是一幅“运动”的画作，人物都排列在不同的位置，做出不同的动作，虽然是农民题材的作品，却能感受到画面带给我们的美感。米勒的整体构图严格按照黄金分割比来安排，黄金分割是公认最能引起美感的比例。
《拾穗者》反映的是农民的疾苦，如同在富裕阶层的一片汪洋中扔下了一块石子，它最珍贵的地方在于如实记录生活，把现实中的细节搬进了画作。
米勒出生于农民家庭，但从小热爱绘画，为了练习绘画技巧，接触更大的世界，米勒去了巴黎，当时巴黎的很多画家都为贵族工作，出现了许多贵族肖像画，这都跟米勒的艺术追求背道而驰，最终他选择搬去巴比松村，就是在这里，他画出了《拾穗者》。
19世纪70年代以前的法国农村，还处在封建宗法制度下，农民生活艰苦，富人阶层却无动于衷，法国报纸上曾有一篇文章写道：“这三个突出在阴霾的天空前的拾穗者后面，有农民暴动的刀枪和1793年的断头台。”
《拾穗者》具有警示作用，它太过真实，使人产生可怕的忧虑。
梵高很崇拜米勒，曾说：“在米勒的作品中，现实的形象同时具有象征的意义。”
世界名画人物简单2
梵高《夕阳下的播种者》1888年
《夕阳下的播种者》属于文森特后期的画作。从这幅作品的色调上来说，一如既往的继承了文森特后期作品炙热的感觉，主体色调采用钴蓝和橙色的对比色调。这是太大胆的做法，对，他在人们眼里一向是不可理喻的人！他身边的人都惧怕这个红头发的怪物。整幅画对比色调的拿捏度的精度要求高，而文森特在这一点上的准确度很精确，整幅画彰显给人明亮醒目的视觉效果。就是这样的一个画家，将他的画作留给了整个艺术节，并成为一个桎梏，这种影响力不管是过去还是现在，将来都给人们带了震撼。
从文森特的内心来解读，这幅画具有“收获季节”的含义，从事画家这一行业的这些年来，他只得到了弟弟提奥的支持，因此他在内心深处渴望得到来自家庭和外界的支持和认可。
拉大透视视角，除了美感上的需求，更给了人们在欣赏这幅作品之余，对了远方的世界有了更多所的遐想。这是否代表着文森特对于未来的翘首期盼呢。夕阳照耀散发的光芒采用了斑驳的笔触，以及在西山将要日落之时，夕阳仍然陈浮现出完整光芒四射的状态，更加坚定无疑的表达出来文森特的内心的呐喊——渴望生活！
狂热，奔放，大胆，是《夕阳下的播种者》的定义。或者文森特对于人物的比例概念不如其他的画家来的功底深厚，但他带给我们的是另一种视觉的高端享受。要读懂文森特，就要读懂他的画，而他的话有来自于他内心激昂自我以及对艺术的热诚。
▲米勒 《晚钟》 油画 66 x55.6cm
1859年作 现藏于巴黎奥塞美术馆
看到这对在田间默默祈祷的农民夫妇，我们仿佛也听到了远方依稀可见的教堂传来的钟声：这“钟声”好象越来越大，传得越来越远…… 也许是这对伫立在农田里剪影一般的农夫与地平线交叉的形式使人联想到了庄严、神圣的“十字架”，从而，拉近了农夫、教堂与观赏者的距离并强化了教堂钟楼的“音响”感应；
也许是由于日暮余辉的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地的反衬；也许是由于画家刻意把人物、景物恰如其分地虚化，不但人物、景物、教堂以及教堂里传出的“钟声”可以融为一体，好象观赏者为画中人、画中景、教堂及教堂钟楼里传出的钟声也融成了一体……
这浓郁强烈的宗教情感，这凝重圣洁的宗教气氛，这庄严、肃穆、令人敬畏的宿命色彩和安贫乐道的【基】督徒形象，这深沉、悠远、悲壮的诗意境界，这直指人心的精神魔力；如果不是一个虔诚的基督教徒，没有在宗教境界修炼到一定程度，没有深厚的文学艺术修养，没有巨大的精神投入和高超出众的绘画技艺，是很难创作出这样的杰作的。
这外在粗陋、朴实，甚至木纳、痴呆，而内心纯净虔诚、温顺善良的农民形象，不仅体现了米勒对农民的深深理解和深厚的感情，也体现了19世纪后半叶艺术家强烈的民主意识以及现实主义的求实精神。
列宾《伏尔加河上的纤夫》
《伏尔加河上的纤夫》（俄文名：бурлак на волге ，英文名：Volga River trackers）是俄国批判现实主义画家伊里亚·叶菲莫维奇·列宾于1870年至1873年间创作的一幅油画，现收藏于圣彼得堡俄罗斯国立美术馆。该画描绘了在伏尔加河畔一组在沉闷压抑的气氛中奋力拉纤的纤夫群像，反映了俄国纤夫苦难的生活，寄托了画家对下层人民群众悲惨生活的同情，也艺术地体现了作者民主主义革命的思想。
▲《赞省的割麦女人从田野归来》
瓦西里格列高里耶维奇彼罗夫（1834-1882）
1874年，布面油画，25.8×65厘米左下方签名：1874 В. Перовъ1939年从莫斯科黑尔策尔处收藏
《梁赞省的割麦女人从田野归来》尺寸并不大，却体现了画家在若干造型问题上进行尝试的努力。农妇经过劳累的一天从金色的田野回家，这个主题和真实的农村生活直接相关。同时，“道路”母题在俄罗斯艺术中非常流行，它直接关系到人类存在的普遍话题，关系到流浪、徘徊、生活道路等问题。画面描绘了不同年龄的农妇，有些人静静地走着，有人则停下来沉思，聆听大地母亲的声音。
彼罗夫采用横向构图，人像产生有规律的节奏，割麦女人在收割的谷物中行走，给人留下动作缓慢、平稳的印象，让画面充满音乐旋律，令人想起俄罗斯的民歌。（塔季扬娜尤坚科娃）
《拾麦穗的女人》
莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（雷欧·来尔米特）
1891年 画布油画
莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（法国，1844―1925年）作为19世纪最多产的艺术家之一，莱尔米特的声望在创作这幅画时达到了最高峰。他对现实主义绘画的发展做出了重要的贡献。和许多同时代的画家不同，莱尔米特从未放弃对绘画技术的追求，他在纸上绘制的炭笔画和胶彩画成就斐然。
1890年，对官方美术沙龙感到失望的.莱尔米特组织一批志同道合的同行，建立了法国全国美术家协会。《拾麦穗的女人》在该协会的第二次年展中展出，获得极高评价。
世界名画人物 简单3
《圣佩尔山的割麦人》
莱尔米特 法国 1883年 画布油画
76.80×97.20厘米
1880年后，画家用几张大幅描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作参展并大获成功，其中就有这幅《圣佩尔山的割麦人》。特别值得一提的是，莱尔米特几次将同样的人物画进作品里，几幅画里的面孔完全可以辨识。这幅画的割麦人就是一个名叫喀什米·德罕的农夫，沉重的劳作后正在休息，对身旁两位粗壮农妇的交谈不理不睬。
莱昂·奥古斯丁·莱尔米特（1844―1925年），出生在法国皮卡第大区的埃纳省，并在那里生活了20年。这正是他眷恋农村生活，几乎所有的作品都用来描绘农事劳作的原因。1874年在法国沙龙取得成功之前，他一直往返于法国和英国之间，靠卖画为生。1880年后，他用几张大幅描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作参展并大获成功，其中就有这幅《圣佩尔山的割麦人》。
《第二次收获》 杜普荷 1879年
不仅仅是米勒，田园风光也是法国画家杜普荷的最爱，这幅《第二次收获》，作者用背影搭建成一个稳定的三角形构图，向人们传递着某种坚定和永恒的信息。
《筛麦妇》库尔贝 131x167cm 1853年
1848年，法国大革命爆发。库尔贝积极投身法国革命。在画布上开始了描绘劳动人民的题材创作。 从30岁往后的10年，是库尔贝创作的高峰期。他成功塑造了一批劳动者的艺术形象，创作于1854年的《筛麦妇》就是其中的一幅。
穿红色马甲裙的年轻农妇是画面中的主角。她背对着观众，跪在铺在地上的白布上。她挽着一个方便劳作的发髻，露出修长曼妙的脖子，高举着筛子的两条手臂圆润结实，露出的鞋底似乎告诉我们她可不是那些大门不出二门不迈的富家大小姐。农妇没有任何装饰，却有着无以伦比的健美。她身上的红裙更仿佛一面歌颂劳动的旗帜，振奋着人心。
画面左侧系着头巾、身着灰色衣裙的另一名农妇盘坐在白布上，细心地挑拣着麦粒。画面右侧的男孩翻开木柜，正在搜寻着什么。也许是按照妈妈的吩咐，帮着做家事吧。年幼的男孩穿着绿格子衬衫，脸蛋圆鼓鼓的，一副乐在其中的模样。可以说，库尔贝对整幅画的朴素拿捏得十分精确。他没有过分渲染贫困辛劳，而是将日常劳作表现得欣欣向荣、趣味盎然。
他这样解释自己的画作：“艺术应放在较低的水平上。”他口中的“低水平”当然不是指画画的技法，而是说艺术家的目光应当聚焦于底层劳动人民的朴素之美，献媚上流社会的年代已经一去不返。